Que pouvons nous apprendre et désapprendre, quand nous parlons ensemble?
Programme
1er jour: 6 octobre 2022
10:40-11:30: Keynote- Simon Njami
11:30- 13:30: Lignes de faille – Rêves perdus dans nouvelles ère d’extrêmes
14:30pm–16:30: Les migrations-Comment relier les temps et les lieux
16:30pm–17:00: Annotation: Le sol sous nos pieds
Amira Souilem and Sihem Lamine
2e jour, vendredi 7 octobre
10h30-11h10 : Keynote, Hito Steyerl
11h30-13h30 : A qui s’adresse le travail ? Soins et après soins dans la représentation des traumatismes
15h00-17h00 : Témoigner
3ème jour, samedi 8 octobre
10h00-10h40 : Keynote : Khookha McQueer
11h00-13h00 : Les corps en performance
14h00-16h00 : Les sons et leur transmission
4ème jour, dimanche 9 octobre
11h00-13h30 : Poétique critique
Introduction :
Depuis sa création en 2013, JAOU a réuni des artistes et des penseurs à Tunis pour partager des idées autour des préoccupations contemporaines dans le domaine des arts. L'une des orientations sous-jacentes de JAOU est de mettre en relation des régions, des langues et des pratiques à travers des conversations qui trouvent un écho au-delà des frontières.
De nos jours, les courants géopolitiques et les changements qu’ils incarnent soulignent le besoin pressant d'explorer, de revisiter et d'évaluer collectivement des histoires, des conditions et des façons d'être partagées, croisées, superposées et divergentes. Les Rencontres-débats de JAOU, une série de sept tables rondes se déroulant sur quatre jours, espèrent répondre à ce besoin pressant.
Conçues sous le titre Que pouvons-nous apprendre et désapprendre lorsque nous parlons ensemble ?, ces rencontres réunissent des artistes, des conservateurs, des écrivains et des universitaires qui sont invités à évaluer et à revisiter collectivement des histoires et des pratiques communes et divergentes qui se chevauchent dans le présent. À travers ce croisement de voix, entendons explorer des approches critiques et des voies innovantes pour appréhender un monde complexe avec empathie, détermination, voire espoir et joie, et ouvrir des perspectives d'être autrement dans ce même processus.
Étant donné que les expositions qui meublent l'édition de JAOU de cette année tournent autour du concept du "corps sans fin", les notions de corps corporel, de corps social, de corps imaginaire et de corps politique seront au cœur de ces rencontres, qui examineront le passé et l'avenir à partir du point de vue complexe du présent, où une constellation d'histoires se croisent.
Des rêves du non-alignement au cours du 20e siècle aux questions de traumatisme et de soins dans la production d'œuvres d'art en tant que témoignages au 21e siècle, en passant par la transmission de sons, de poèmes et d'objets à travers des temporalités qui se croisent, les rencontres JAOU cherchent à offrir un cadre pour l’élaboration d’ idées plurielles et de débats significatifs, jetant des ponts entre des idées qui font écho à Tunis et au-delà.
Programme:
1er jour- Regarder en arrière pour mieux se projeter dans l'avenir
6 octobre 2022
Keynote: Simon Njami
A la lumière de son vaste travail, en tant que directeur artistique de nombreuses biennales à travers l'Afrique, et auteur de biographies de personnalités clés tels que James Baldwin et Leopold Sedar Senghor, le commissaire d'exposition Simon Njami, réfléchit sur le thème de la session d'aujourd'hui, intitulé ‘Regarder en arrière pour mieux se projeter dans l'avenir’, en partageant ce qu'il a appris au cours de plusieurs décennies de travail en tant que commissaire d'exposition à travers l'espace et le temps, en considérant ce que cela implique que de créer des canaux qui agissent comme médiateurs entre le passé et le futur au présent.
Panel 1
Lignes de faille : Rêves perdus dans une nouvelle ère d'extrêmes
Intervenants: Joan Kee, le groupe Otolith & Mohamed-Ali ltaief
Modérateur : Wassan Al-Khudhairi
Discutant : Youssef El Chazli
Cette discussion inaugurale présentera les idées qui serviront de base aux questions primordiales posées par la présente édition des Rencontres de JAOU intitulées : Que pouvons-nous apprendre et désapprendre lorsque nous parlons ensemble ?
La question qui guide cette table ronde est ancrée dans le moment présent : un monde façonné par les événements sismiques, les idéologies, les rêves et les échecs qui ont défini les mouvements pan-continentaux du 20e siècle : des histoires qui continuent à agir dans le présent ou qui le hantent avec leur potentiel latent et non réalisé. Comment pouvons-nous revisiter et repenser cette époque et ses répercussions géopolitiques pour mieux comprendre les courants dans lesquels nous vivons ? En quoi un regard porté sur le passé peut-il nous aider à trouver des moyens non seulement pour regarder vers l'avenir, mais aussi pour avancer dans le présent ?
En réponse à ces questions, des artistes dont les pratiques riches et axées sur la recherche permettront de découvrir ce que les legs du passé peuvent nous apprendre sur l'époque dans laquelle nous vivons.
le groupe Otolith , fondé en 2002 par Anjalika Sagar et Kodwo Eshun, explore les liens et les contestations de l'ère [du mouvement] des Non-Alignés, à travers des projets qui portent sur les mouvements transcontinentaux dans le temps et l'espace, tandis que la professeure Joan Kee se penchera sur les rapports entre les artistes noirs et les artistes asiatiques à des moments historiques couvrant les XXe et XXIe siècles dans son livre Les Géométries de l’afro -asie : L'art au-delà de la solidarité . En suivant l'historicisation des mouvements artistiques qui ont traversé le 20e siècle, l'artiste Mohamed Ali Ltaief s'intéressera à la perdition des rêves dans les récits qui ont été obscurcis ou négligés, cherchant à dépasser les lectures linéaires de l'histoire.
Panel 2 :
Migrations : Comment relier les temps et les lieux
Intervenants: Musquiqui Chihying, Amina Menia, Victoria Jonathan, Joana Hadjithomas & Khalil Joreige
Modérateur : Andrea Bellini
Discutant: Yamen Manai
L'art peut mettre en œuvre des archéologies qui appréhendent l'histoire comme un paysage à plusieurs couches dans lequel une pluralité d'histoires existent sur plusieurs plans, et auxquelles on peut accéder à partir de différents points d'entrée.
Dans cette optique, cette conversation explore ce qui se passe lorsque nous posons de nouvelles questions sur les objets qui définissent les histoires de l'existence sur cette planète : des objets qui ont été laissés derrière, déplacés ailleurs ou projetés dans le futur. Comment pouvons-nous rouvrir le passé et le futur au présent, afin qu'ils puissent être à la fois interprétés et réinterprétés ? Comment pouvons-nous inviter les objets à nous parler maintenant, et comment pouvons-nous, à notre tour, leur prêter l’oreille ?
Amina Menia focalise ses recherches sur les monuments, les architectures et, plus récemment, sur le sport en Algérie dans le but d’explorer la manière dont s'expriment les affirmations nationales et la mémoire, tandis que Victoria Jonathan, commissaire française d'origine tunisienne, s'intéresse à ce que les albums de photos de famille chinoises peuvent révéler sur un monde en mutation. Joana Hadjithomas et Khalil Joreige, dont les installations et les images animées ont notamment exploré les fantômes de sculptures antiques et les projections futures de fusées mises au point à Beyrouth au XXe siècle, travaillent depuis 2016 avec des archéologues pour étudier les échos de l'Antiquité dans le présent. Cette approche spéculative rejoint l'intérêt de Musquiqui Chihying pour la provenance des objets asiatiques et africains présents dans les collections des musées occidentaux, en essayant d’imaginer le regard que ces artefacts pourraient porter sur les espaces qu'ils ont été contraints d'habiter, et ce en insufflant une force de vie que l'institutionnalisation efface si souvent..
Annotation : Amira Souilem and Sihem Lamine
2e Jour : 7 octobre 2022 :
Du regard et de ses effets
Keynote : Hito Steyerl
Qu’est ce que cela signifie de rendre un monde lisible ? Que faut-il pour dévoiler les systèmes qui ont façonné les paysages géopolitiques qui se chevauchent à travers le monde et qui sont trop souvent conçus pour masquer la violence des actions, voire des crimes, qu'ils génèrent ? Pour cette communication principale, nous invitons l'artiste Hito Steyerl à réfléchir sur la façon dont l'art peut être le miroir du présent, reflétant et parfois rendant visibles les conditions auxquelles tant de personnes sont liées sans le savoir, de sorte que le mal peut être produit par méconnaissance.
Panel 3 :
"A qui s'adresse le travail ?" Soins et après-soins dans les représentations de traumatismes
Intervenants: Essia Jaïbi,Shuruq Harb,Doa Aly&Gabrielle Goliath
Modérateur : Dr Huda Tayob
Discutant : Nedra Ben Smaïl & Olfa Belhassine
Compte tenu de l'impact que les œuvres d'art traitant des questions de discrimination, d'oppression, d'injustice et d'occupation peuvent avoir sur les artistes, leurs sujets et les spectateurs qui peuvent être traumatisés par ces représentations, cette rencontre pose une question essentielle : À qui s'adresse l'œuvre ?
Les artistes de ce panel prennent grand soin de ne pas reproduire la violence à laquelle ils sont confrontés. Gabrielle Goliath répond à la violence sexuée et sexualisée dans le projet de performance à long terme Elegy, lancé en 2015, en commémorant les femmes et les personnes LGBTQI+ qui ont été brutalisées ou assassinées en Afrique du Sud ; un projet qui fait le lien avec la production Flagranti d'Essia Jaïbi, qui met le public au défi de reconnaître le droit à l'amour, quel que soit le sexe. Dans une étude permanente sur la folie, Doa Aly affronte le traumatisme générationnel par des modes génératifs de mouvement et de libération, tandis que Shuruq Harb, dans le film The Jump, traite du saut d'un Palestinien dans la Méditerranée en invitant la professeure de littérature Wafa Darwish et la psychologue et guérisseuse de traumatismes Laila Atshan à réfléchir à leurs propres expériences de quête de liberté.
Les œuvres qui abordent les thèmes traumatisants de l'injustice politique et du préjudice corporel soulèvent des questions. Quelles sont les responsabilités d'un artiste qui doit prendre soin de son public s'il est confronté à la violence dans son travail ? Quelle est la fonction du soin et de l'après-soin lors de la production, de la présentation et de la discussion de telles œuvres ? Comment concevoir une pratique artistique qui confronte de manière significative les questions de traumatisme sans retraumatiser les sujets et les publics ?
Panel 4
L'art comme témoin : Preuves, témoignages et jugement
Intervenants : Océanographie médico-légale, Basel Abbas & Ruanne Abou-Rahme Benjamin de Burca et Barbara Wagner, Forsenic Oceanography (Charles Heller& Lorenzo Pezzani)
Modérateur : Stephany Bailey
Discutant : Monia Ben Hammadi & Michel Agier
Quel impact les œuvres d'art qui portent témoignage peuvent-elles avoir au-delà de l'espace d'exposition, de la salle de cinéma ou de la page ? Cette rencontre réunit des artistes qui abordent des formes de témoignage lourdes pour faire face à des questions historiques et contemporaines lorsque les voies officielles se révèlent incapables de répondre à l'urgence d'y faire face.
Forensic Oceanography, un projet collaboratif entre Lorenzo Pezzani et Charles Heller lancé en 2011 dans le cadre du projet collaboratif Forensic Architecture, travaille avec des ONG, des scientifiques, des journalistes et des groupes d'activistes pour rassembler des informations sur les violations des droits des migrants et la pratique de la violence aux frontières en Méditerranée, tandis que Basel Abbas et Ruanne Abou-Rahme, à travers la création d'installations vidéo dynamiques, apportent des témoignages sur l'occupation des terres palestiniennes et établissent des liens avec les mouvements de libération à travers le monde.
Parmi ces actions de visibilité, Barbara Wagner et Benjamin de Burca rse penchent, dans leur dernière œuvre vidéo, sur un personnage qui a tenté de corriger une conception hégémonique et euro centrée de l'histoire : Bob Quinn, un cinéaste irlandais qui a créé des œuvres dans les années 80 destinées à montrer comment l'Afrique du Nord a contribué à la construction de la culture irlandaise.
À travers ces pratiques, un certain nombre de questions se posent. Que cela signifie-t-il de présenter une œuvre artistique en tant que témoignage, preuve ou contre-récit ? Qu'est-ce que cela signifie pour l'artiste, le réalisateur ou l'écrivain d'agir de cette manière engagée et de présenter son travail en tant que témoignage ? Qu'est-ce que cela signifie pour le public et que peut attendre un artiste d'un public invité à venir témoigner de ses œuvres ?
3e Jour : 8 octobre 2022 :
Les pratiques artistiques en tant que portails sur le monde
Keynote : Khookha McQueer
Enracinée dans des modes alternatifs de production de connaissances, la pratique artistique peut agir comme un portail vers d'autres mondes et d'autres façons de les vivre, eux et les autres. Cette pratique d'ouverture des horizons à des modes alternatifs et extensifs de pensée et d'être fait écho au travail discursif de l'activiste et artiste Khookha McQueer, qui introduira le thème de la session d'aujourd'hui, et les idées autour de la pratique artistique comme moyen d'ouvrir les portes de l'existence.
Panel 5 :
Les corps mis en performance
Intervenants : Athi-Patra Ruga, Yasmina Reggad, Joiri Minaya & Khookha McQueer
Modérateur : Nadine Khalil
Discutant: Olfa Youssef
Cette conversation axée sur la pratique réunit un groupe d'artistes et de commissaires d’exposition en provenance du monde entier pour réfléchir à ce que cela signifie de se produire avec son corps.
Les pratiques théâtrales et scéniques sont des outils essentiels pour traduire les préoccupations sociales, l'expression linguistique et l'exploration imaginative en un moyen à la fois accessible, palpable et stimulant. En gardant cela à l'esprit, la question qui guidera cette conversation sera la suivante, à affiner en fonction des contributions des participants : qu’est ce que cela signifie de se produire avec son corps ou, en fait, produire le corps en tant que site expansif de discours et d'action à part entière ?
Le travail d'Athi Patra Ruga traite des récits se rapportant à l'Afrique du Sud de la période de l'apartheid et ce par le biais d'interprétations imaginatives de personnages mythiques (interprétés par l'artiste) qui incarnent leurs souvenirs et leurs aspirations, tandis que Joiri Minaya, par le biais de diverses formes d'expression visuelle, remet en question les représentations historiques et contemporaines de la féminité noire et brune en interrogeant le corps, le paysage, le discours, le cadrage, l'(in)visibilité, l'opacité et l'hybridité. De même, l'artiste et militante féministe et LGBTQI+ Khookha McQueer utilise des modes de représentation corporelle et de pratique visuelle et discursive pour éclairer et défendre l'identité queer au sein de la société civile tunisienne et au-delà. Parmi ce groupe d'artistes, la commissaire d'exposition Yasmina Reggad, qui a récemment travaillé au pavillon français de la 59e Biennale de Venise, réfléchira à ce que cela signifie d'organiser et de chorégraphier des formes de représentation dans le contexte des manifestations artististiques.
Panel 6
Le son et sa transmission
Intervenants: Radio Alhara: Mothanna Hussain and Saeed Abu-Jaber, Evan Ifekoya& Malak Helmy
Modérateur: Urok Shirhan
Le son étant un matériau essentiel dans la construction des univers de vie, cette présentation se concentrera sur la transmission du son enregistré comme un élément essentiel qui crée les conditions propices pour que des groupes parfois hétéroclites forment de nouvelles affinités et des communautés cohésives.
Comment le partage de chansons, de mélodies et de rythmes peut-il inventer et étendre des modes de transmission sonore capables de créer d'autres univers, de soutenir ceux qui sont menacés ou de transcender les mondes dans lesquels nous vivons,tout court ?
Ensemble, les praticiens de ce panel explorent ce que signifie créer, transmettre et écouter du son et de la musique à distance, en tandem avec chacune de leurs préoccupations multidisciplinaires plus larges, comme c'est le cas de Malak Helmy, qui intègre la musique, le son et la poésie dans une pratique multidisciplinaire en tant qu'artiste, commissaire d'exposition, écrivain, DJ et musicien. Lancée depuis la Palestine lors du premier confinement planétaire en mars 2020, Radio Alhara est une station de radio en ligne épousant l'idée d'un espace public qui vise à estomper les limites entre producteurs et auditeurs. Radio Alhara est constamment remodelée par sa communauté et par les besoins de celle-ci, tout en questionnant la pertinence politique du contenu sonore en général, ce qui trouve un écho dans le travail de l'artiste et ouvrier de l'énergie Evan Ifekoya, dont la pratique est ancrée dans des interventions et des ateliers sonores, rituels et architecturaux qui réservent un espace aux pratiques de vie de résistance au désespoir. En 2018, Ifekoya a créé Black Obsidian Sound System, un système sonore géré collectivement et QTIPOC (queer, trans*, intersexe, noir et personnes de couleur) qui tire parti des riches héritages de la culture soundsystem.
4e jour: Poétique critique
9 octobre 2022
Panel 7
Poétique critique : De la pratique de réinterprétation du passé, du présent et du futur
Intervenant: Abraham Onoriode Oghobase, Marianne Keating, Mouna Karray, Héla Ammar & Ho Tzu Nyen
Modérateur : Karim Sultan
Qu'est-ce que cela signifie de raconter d’une manière poétique des histoires collectives dans le but de contourner les limites officielles ou convenues de ce qui est soigneusement ou officiellement défini ? Les artistes participant à cette table ronde exploreront le concept de poétique critique en tant que forme de critique intime - un mode de narration, de transmission et de traduction - qui ouvre un espace fluide permettant de réévaluer le langage, l'histoire, l'identité et l'expression.
De Singapour au Japon, les œuvres multimédias et les œuvres sous forme d’images animées de l'artiste Ho Tzu Nyen tissent un large éventail de références visuelles, historiques et textuelles destiné à affronter les fantômes du passé complexes, tout comme un récent projet d'archives de Héla Ammar sur l'histoire de sa famille complique les récits binaires sur le colonialisme.
Parmi ce groupe figurent ceux qui participent à l'exposition JAOU Our Time, Even in Dreams. L'exploration du lieu est le fil conducteur qui relie ces pratiques, qu’il s’agisse du projet à long terme d'Abraham Onoridode Oghobase, Layers of Time and Place : What Lies Beneath (2017-) d'Abraham Onoridode Oghobase, une étude transversale qui fouille les expériences de l'artiste dans la région du plateau de Jos, dans le centre-nord du Nigeria, ou des films de Marianne Keating qui explorent les histoires coloniales qui lient l'Irlande, pays d'origine de l'artiste, à la Jamaïque au travers des réseaux transatlantiques de l'Empire britannique. En ramenant ces explorations au corps, Mouna Karray personifié le sud-ouest de la Tunisie à travers l'image photographiée d'une figure solitaire dont les traits et le corps sont masqués.
En réunissant ces artistes, ce panel s'interroge sur la manière dont les langages visuels et les récits symboliques - qu'ils soient écrits, parlés ou visuels - fonctionnent au-delà des distances et des proximités géographiques, culturelles et historiques. Quel rôle l'approche poétique d'une pratique artistique engagée joue-t-elle au sein de ces mouvements, et quelles voies ces poétiques critiques ouvrent-elles ?
